Archive for 30 noviembre 2014

Sobre el Deus ex machina, Lo imposible y como puede ser la vida de maravillosa

noviembre 30, 2014

CINE TDS

La realidad supera la ficción. Y no es una excepción, es así. Siempre. La realidad es mucho más compleja que cualquier ficción, está plagada de casualidades que rechazaríamos como espectadores y, desde luego, cualquier realidad tarda más de dos horas en ser contada. No hay que ponerse filosófico pero mucho se ha escrito sobre qué es lo que motiva al hombre a explicar historias y sobre todo a vivir historias que pertenecen a una ficción. En líneas generales podemos decir que las historias ajenas nos ayudan a liberarnos de nuestra realidad por un tiempo determinado. ¿Grande, no? Ver cine nos empuja a superarnos, nos libera de nuestras cargas, nos permite soñar, sentir, reír, llorar, pensar… Es un catalizador de puta madre. Pero vayamos al meollo, hablemos de esas casualidades que hacen que la realidad supere la ficción.

Lo imposible (2012) habla de una familia que sobrevive al tsunami que azoto Tailandia en 2004 y que además, cágate lorito, consigue reunirse unos días después. ¡Al completo! ¿Esa secuencia del niño paseando y cruzándose con su padre justo cuando los pequeños están en un camión a pocos metros de distancia de entre toda la multitud? La casualidad los junta. Y nos lo creemos solo porque sabemos que paso de verdad. Si no, como espectadores… Eso no nos lo tragamos. A eso, en dramaturgia, se le llama Deus ex machina. Es decir que baja Dios y ayuda a nuestro protagonista. Por la cara. El Deus ex machina es para el guionista veneno. Es la respuesta fácil. Es cuando Tintín cae por un acantilado al final de una página y el acantilado tiene solo dos metros en la siguiente. Es cuando disparan al protagonista en el pecho y resulta que allí lleva una medalla “antibalas” por el morro. Un Deus ex machina es aquello que puede existir en la vida real pero nunca en una ficción. O no debería.

Uno de los divertidos ocurre en El señor de los anillos: El retorno del rey (2003): Aragorn se planta delante de la Puerta Negra con millones de orcos alrededor y tras un fantástico monólogo se inicia una batalla perdida pero ¡oh!, Gandalf le sopla a una polilla que se convierte en águilas que lo solucionaran todo. ¿Si tiene ese poder por qué narices no lo usa en las anteriores batallas? ¿Es que el abuelo chochea? Otro de bueno ocurre en la olvidable The Matrix Revolutions (2003): Trinity ha muerto, Neo acaba de ser absorbido por el Agente Smith, todo ha acabado. Pero por alguna extraña fuerza, Neo explota des de el cuerpo del Agente Smith reventando literalmente la cabeza a todos sus clones. Sabemos que Matrix esconde mucha filosofía pero… Eso es un Deus ex machina. Que no nos engañen.

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Supongo que ya veis que los Deus ex machina son muy útiles cuando la has liado tan parda como guionista que no hay otra solución posible. Has metido al protagonista en una situación tan imposible de salvar que simplemente… necesita ayuda divina. Se puede camuflar, claro está. Y a eso se le llama elemento de preparación, una de las herramientas mas flipantes para un guionista ya que consigue encontrar soluciones aparentemente curradas y que no han necesitado de mucho trabajo. Siguiendo en la trilogía de El Señor de los Anillos, en su primera parte a Frodo le clavan una lanza en el pecho (y lo hace un trol de las cavernas, que no es poca cosa) y consigue salvarse por la cota de malla de mithril. Eso sería un Deux ex machina si no fuese porque esa cota de malla se la ha regalado su tío Bilbo unas escenas antes. Lo hemos preparado, Tolkien sabía lo que escribía (olviden eso último, es excesivamente pedante que yo opine sobre las capacidades de Tolkien para escribir).

De entre todos los Deus ex Machina del mundo mi preferido es el que utiliza Woody Allen en Poderosa Afrodita (1995). Es genial: Se acaba la peli, todos los personajes se encuentran en pleno caos sentimental. Woody ya ha conseguido “encontrarse” pero ha dejado por el camino una rubia fantástica (que por cierto se llevo un Oscar) que necesita encontrar el amor. El narrador inicia su voz en off y nos dice literalmente “A propósito de Deus ex machina”. Baja un helicóptero con el “príncipe” que rescata la rubia. Con dos cojones. Y eso no es todo. El niño adoptado de Woody, hijo biológico de la rubia, conoce al segundo hijo biológico de la rubia, que es hijo biológico de Woody. Un poco lio, pero es un Deus ex machina fantástico. No en vano, el coro griego que nos cuenta la historia reza: “Si, si, ironías de la vida. La vida es increíble, milagrosa, triste, maravillosa. Por eso decimos cuando sonríes el mundo sonríe contigo”. Bajo esta premisa… Un Deus ex machina se convierte en exquisito.

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Y hablando de realidades que superan la ficción (lo sé, me he ido un poco del tema), ese es uno de los motivos principales por los que las películas que son “buenas” para la crítica muchas veces son aburridas para el espectador general. Cuesta mucho crear personajes complejos y argumentos reales. Necesita de mucho tiempo y en el cine cada segundo es oro. Por eso los personajes, aunque estén bien construidos tienden a parecer algo simples. Necesitas muchos minutos para crear un personaje complejo y si dedicas mucho tiempo a ello… Pierdes público. El público quiere entender al personaje des del primer segundo aunque si nos paramos a pensar, ¿Cuánto tardamos en conocer a alguien en la vida real? ¿Cuán complejas son las personas reales? En mi siguiente entrada seguiremos con esto, con lo difícil que resulta escaparse de los arquetipos. Y también de cosas que pasan cuando mueves la cámara. Mientras tanto repasen Poderosa Afrodita, que el viernes que viene Woody Allen estrena la última y hay que verla, y recuerden, la vida puede ser increíble, milagrosa, triste, maravillosa… Y eso mola, mola mucho.

X.SEGÚ

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SEMANA DEL 24 AL 30 DE NOVIEMBRE

noviembre 24, 2014

RECOMENDAMOS

TÍTULO: AUTOBIOGRAFIA DE CHAPLIN

AUTOR: Charles Chaplin

SINOPSIS: Las extraordinarias memorias de un genio del siglo XX. Charlot, personaje icónico del siglo XX, acaba de cumplir cien años, pero no ha perdido su bombín ni su bastón… y desde luego ni un ápice de su carácter. Para celebrarlo, Lumen recupera la autobiografía de su creador: Charles Chaplin, un gran director, guionista, compositor y actor tragicómico, pero sobre todo un genio del celuloide. En esta autobiografía, publicada en 1964, Chaplin cuenta la fascinante historia de su vida, desde su trágica infancia en una familia de artistas hasta los primeros pasos en el teatro musical londinense y su traslado a Estados Unidos. Allí, su talento para entretener de manera inteligente al público le permitió emprender una carrera cinematográfica que lo llevó a convertirse en uno de los rostros más conocidos de todo el planeta y ser el alma de obras maestras como “Tiempos modernos” o “Candilejas”, que hoy son clásicos indiscutibles. Chaplin encarna como pocos el espíritu del siglo XX. Fue un genio del cine mudo que se resistió a aceptar la invención del sonoro. Y, cuando finalmente accedió a ello, fue para caricaturizar a Adolf Hitler, cuya imitación en “El gran dictador” es una de sus creaciones más memorables. Ese gran hombre que supo hacer reír sin renunciar a la lucha la censura y a favor de la libertad en su sentido más amplio.

 

TÍTULO: TRUFFAUT/ PARIS

AUTOR: Francois Truffaut y Arturo Barcenilla Tirapu

SINOPSIS: Este libro es la guía idónea para visitar el París que François Truffaut inmortalizó en sus películas. Gracias a él podrás pasearte por los rincones que inspiraron al director francés y acogieron sus historias y personajes. Incluye 18 mapas para facilitar la búsqueda de las localizaciones, 205 fotografías, fichas técnicas y un amplio anecdotario sobre los rodajes.

 

TÍTULO: EN LA CARRETERA (FOTOGRAFIA; LA FÁBRICA)

AUTOR: Varios autores

SINOPSIS: Un libro que presenta la historia de los fotógrafos para los que la carretera norteamericana fue una fuente de inspiración e incluye grandes fotografías de Robert Frank, Ed Rusch o William Eggleston entre otros.

 

TÍTULO: EL SILENCI DEL FAR

AUTOR: Albert Juvany Blanch

SINOPSIS: (Libro en catalán) L’Anna és la bibliotecària de Húsavik, un petit poble de pescadors d’Islàndia. Quan rep una carta que firma “el teu pare que t’estima”, s’obre dins seu una porta que creia que havia tancat per sempre i que l’obliga a enfrontar-se al passat i a redefinir les certeses sobre les quals ha construït la seva identitat. Per què la van abandonar, els seus pares? Qui és ella, realment? De quina manera la podrà ajudar en Gunnar, el seu antic professor de piano? Per descobrir-ho haurà d’endinsar-se a la casa abandonada on van viure els seus pares, malgrat la por irracional que li produeix. Al mateix temps arriba a Húsavik en Gísli, un jove biòleg de la capital que ha recorregut tota l’illa amb la intenció de guarir ferides del passat. La trobada entre tots dos resultarà inevitable, i junts teixiran un fil de complicitats en l’intent compartit de desenterrar fantasmes antics.

 

TÍTULO: EL REGRESO DE ULISES

AUTOR: Alberto Manguel y Maxvedades semana, libros, Charles Chaplin,

SINOPSIS: Alberto Manguel y Max unidos en un estupendo relato sobre los desplazados y la emigración. «Ulises volvió su espalda al puerto y siguió el pedregoso sendero que conducía a través del bosque en lo alto del monte hacia el lugar que Atena le había indicado. Un grupo de hombres se había reunido ociosamente en torno a un barril de petróleo dentro del cual ardía una fogata. Masculló un saludo y se detuvo unos instantes junto a ellos, tratando de calentarse las manos. Después entró en la ciudad por un portal de piedra en parte desmoronado.» Alberto Manguel y Max se unen para contarnos una historia, protagonizada por el mítico Ulises, sobre el sentimiento que los desplazados tienen de no pertenencia a una comunidad.

BARCELONA VISTA PELS SEUS DIBUIXANTS (1888 – 1929)

noviembre 23, 2014

(ARTÍCULO EN CATALÁN)

Ens agradaria destacar, d’entre totes les virtuts d’aquest llibre, la seva capacitat per sorprendre el lector més jove. Veure el rebombori que es va organitzar, per exemple, amb la instal·lació de les figures nues a la plaça Catalunya és com a poc curiós. Així com la visió que tenia la població de Gaudí, l’annexió de barris que ara semblen el cor de Barcelona a la Ciutat Comtal… El llibre repassa uns anys certament abandonats de la història de Catalunya i ens l’explica amb les il·lustracions de l’època. És d’aquests llibres que es poden obrir per qualsevol pàgina i simplement, passejar per elles.

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La contraportada d’aquest llibre de Josep Maria Cadena diu així: “Els carrers, places, monuments, esdeveniments, festes i costums de Barcelona han estat representats pels dibuixants al llarg de la història. (…) L’autor ens ofereix una explicació d’aquesta etapa històrica barcelonina. Així doncs, l’obra, mitjançant la qualitat dels dibuixos i l’encert del text, ens permet conèixer l’interessant període que significà la incorporació de la capital catalana a la Modernitat.” La impressió al llegir el llibre és aquesta però no només aquesta. La sensació és que aquest llibre hauria de ser a la biblioteca de qualsevol barceloní confés. Que cada cert temps s’hauria de fullejar amb calma, explicant els dibuixos als més petits, i així poder explicar la història d’aquesta ciutat generació rere generació. És una eina útil, fàcil i molt entretinguda.

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També ens agradaria destacar, amb una certa ironia, que en una gran quantitat d’il·lustracions, el sentiment és de vigència absoluta. Suborns, corrupció, desigualtat, pobresa… A tots ens sona, oi? Remirant a la biblioteca, hem volgut rescatar per a vosaltres uns quants llibres que ens sembla seran d’interès per tots els que estigueu interessants en aquest: Barcelona vista pels seus dibuixants (1888-1929):

De los grandes silenciosos, la lista del gozo y decir verdades

noviembre 20, 2014

CINE TDS

A veces el foco no quiere encenderse. La bombilla se funde, la señal falla, el dimmer (un aparato que reparte y ordena la señal eléctrica en los teatros) salta, la mesa de luces se ríe en tu cara… Creo que es la lección más valiosa que he aprendido des de la cabina de un teatro. A veces el foco simplemente no quiere. Valiosa metáfora, ¿No creéis? ¿Cuántas veces en la vida lo hacemos todo bien y sin embargo la luz no se enciende? En el cine pasa constantemente. Todo está bien: Interpretaciones coherentes, dirección sobria, buena banda sonora, montaje con sentido, guión redondo… Todo está bien y sin embargo algo falla. Algo complicado (imposible) de explicar falla y todo se va al garete. La suerte de los grandes directores es que pueden vivir, al menos en parte, de renta y aunque David Fincher pinche en la reciente “Perdida” (2014) todos sabemos que es uno de los grandes silenciosos y lo podemos disfrutar en la inteligente, ojo al guión del grandísimo Aaron Sorkin, “La red social” (2010); la perfecta “Zodiac”(2007) o las entretenidísimas “El club de la lucha” (1999) y “Se7en”(1995). Dicen de Fincher que tiene la capacidad de colocar la cámara justo donde toca. Y coincido, pero incluso él se equivoca.

Casi todos lo hacen. Los grandes son grandes precisamente porque no se acomodan en su género y buscan retos cada vez más y más grandes. Se equivoca Scorsese, se equivoca Woody Allen, se equivoca Tim Burton, Spielberg… ¿Y qué? Incluso al equivocarse suelen hacer películas mejores que la mayoría. Y hablo de esto porque entre la mencionada “Perdida”, y el anuncio de catástrofe de Tim Burton en “Big Eyes” (2014), pues me han jodido el mes. Y es entonces cuando pienso en lo complicado que resulta hacer una buena película. Y entonces amo a los grandes directores mucho más. Seré fiel a Alex de la Iglesia aunque su gran obra ya tenga demasiados años (“La Comunidad”, que se estreno en el 2000) y me haya tragado alguna cosa realmente infumable por su culpa.  Les admiro. Les admiro hasta las últimas consecuencias. Soy un hombre fiel, que le vamos a hacer…

Hablaba de Fincher como uno de los grandes silenciosos. Uso ese término para los grandes directores que ponen por delante la historia que están contando a su sello personal. Seguramente los primeros de la lista (cine contemporáneo) son Clint Eastwood y el rey de las historias, Spielberg. No es que no tengan estilo, cuidado, solo digo que son capaces de darle todo el peso al argumento que tienen por delante y renunciar a un “sello personal”. No le pediremos esto a Tarantino, por poner un ejemplo. Y menos a Haneke, Lars von Trier o a David Lynch. A cada cual lo suyo. A todo el que quiera empezar a ver buen cine les aconsejo que empiecen por los primeros. La historia. LA HISTORIA.

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Aprendí a ver cine tirando de directores y actores que me gustaban. Si veía algo de un tal Martin Scorsese y me gustaba… pues me tragaba su filmografía. Y en paralelo a otro que tal vez os suene. Un hombre llamado Hitchcock. Recuerdo empalmar “Los Pajaros” (1963) con “Uno de los nuestros” (1990). Imagínense el placer. Y como descubrí que el tema de la mafia me gustaba, a los días descubrí la trilogía de “El Padrino”, “Erasé una vez en América” (1984) o “Pulp Fiction” (1994). Y con ello a Coppola, Leone y Tarantino. Y claro, venga a ver películas. ¡Qué tiempos aquellos! Así aprendí a ver cine. Viendo a los grandes una vez y otra. Repitiendo, buscando, con listas larguísimas de películas por ver. La lista del gozo. Por el camino tropecé con obras menores y con películas malas, claro está. Pero nunca he buscado en Google: “Las mejores pelis de gángsters”. ¿Qué gracia tiene eso? Prefiero llegar a “Sed de Mal” (1958) solo y sin ayuda. Y darme cuenta al segundo visionado de que el plano secuencia inicial es de las cosas más maravillosas que he visto nunca. Y poder disfrutar así de Orson Welles y no pensar que es algo que ya ha pasado de moda y es imposible de ver.

Si algo aconsejo a los nuevos es que no usen listas. Van a ver que “Ciudadano Kane” (1941), del mencionado Welles aparece como una de las mejores películas de la historia. Y no les va a gustar. Y se cabrearan. Yo aconsejo el camino inverso. Coged vuestras pelis favoritas y tirad de directores, actores o géneros. Y si queréis ser más intrépidos, tirad también de guionistas. Y de directores de foto si aquello que habéis visto os ha molado por el tipo de iluminación que tenia. Y viajad. Y disfrutad del viaje. Ese es mi consejo para todos los que semana a semana me vais pidiendo que os aconseje películas y series.  Os aconsejo que viajéis que busquéis esa luz encendida y la disfrutéis.

Y solo a modo de anexo, un “OLE” así de grande a Risto Mejide por declarar que le encanta “La que se avecina”. A los que pensáis que lo hace por pertenecer a Mediaset os digo que penséis si Mediaset necesita que promocionen una serie que consigue más de 20% del share y reúne más de dos millones de personas cada semana. ¿Qué ocurre con LQSA? Puede no gustaros pero no podéis negar que hace reír a la mayoría. Y creo que es una de las series más sinceras de la historia de la TV española. Puede que no arriesguen, que se estanquen y que se repitan hasta la saciedad pero que nadie se atreva a decir que es peor a nada. Os recuerdo que todos estuvisteis enganchados al fenómeno “Perdidos” que es la trampa televisiva más grande la historia. Risto, estoy contigo, LQSA mola. Mola mucho.

X.SEGÚ

SEMANA DEL 17 AL 23 DE NOVIEMBRE

noviembre 17, 2014

RECOMENDAMOS

 

TÍTULO:  EL EXPRESO DE TOKIO (LIBROS DEL ASTEROIDE)

AUTOR: Seicho Matsumoto

SINOPSIS: Los cadáveres de un oscuro funcionario y de la camarera de un restaurante de Tokio son descubiertos en una playa de la isla de Kyushu. Todo parece indicar que se trata de un caso claro: dos amantes que se han suicidado juntos tomando cianuro. Pero algún detalle extraño llama la atención del inspector Mihara: el difunto se había pasado seis días solo en su hotel y en su bolsillo encontraron un único billete de tren; los amantes no habían viajado juntos. Resulta también que el funcionario trabajaba en un ministerio en el que un escándalo de corrupción está a punto de estallar. Publicado en Japón en 1957, “El expreso de Tokio” es uno de los best sellers más famosos de Seicho Matsumoto. Su intriga minuciosamente ensamblada y la combinación de elementos psicológicos y sociales marcaron una nueva época en la novela negra japonesa.

 

TÍTULO: YOUNG AMERICANS. LA CULTURA DEL ROCK (1951-1965)

AUTOR: Justo Serna

SINOPSIS: La música ligera, la que empieza a sintonizarse en los años cincuenta y sesenta, nos ha cambiado la forma de ver el mundo y de vernos a nosotros mismos. Los jóvenes americanos de la posguerra parecían aceptar e invocar el pasado y encarnar la tradición de sus mayores, pero en realidad iban a ir más allá: vaticinaron un porvenir distinto y se empeñaron en reinventar a su manera la vida, la idea misma de felicidad. Con gran confianza lucharon por deshacer el orden que habían recibido de sus adultos, sus normas, sus propias definiciones, precisamente por entenderlas llenas de defectos, de vicios. Impugnaron la soberanía patriarcal, propugnaron el placer; pensaron, en fin, un mundo de buenas vibraciones. Aquellos jóvenes creyeron posibles esas metas porque esperaban algo de sí mismos, porque confiaban quizá exageradamente en la mejora de esa América opulenta y dominadora, porque sentían un malestar que les incomodaba, que les impelía a moverse, a manifestarse, a actuar. O a tomar sustancias para escapar. Desde entonces hemos aprendido muchas cosas más y ahora sabemos cuáles fueron los límites y las exclusiones de aquella temprana experiencia, la miopía con que se enfrentaron a sus adversarios o la rémora social que les hizo frente. Per el ideal último sigue siendo el mismo: la formación de individuos libres, autónomos. Se trataba de una gesta titánica, de una gesta instintiva. Se trataba de un prodigio histórico insólito que nadie podía augurar. Removieron verdades seculares, reglas antiguas, obstáculos que impedían edificar un espacio para la libertad. Provocaron y contestaron, rompieron moldes y corsés. A esos antepasados heroicos les debemos un recuerdo, aunque sólo sea porque fue suya una audacia sencilla pero decisiva: el “rock’n’roll” y sus oficiantes dieron significado nuevo a las cosas, crearon un mundo inédito y marcaron el estilo de varias generaciones.

 

TÍTULO: INDIES, HIPSTERS Y GAFAPASTAS. CRÓNICA DE UNA DOMINACIÓN…

AUTOR: Víctor Lenore

SINOPSIS: ¿Todo el mundo aspira a ser moderno? ¿En qué consiste lograrlo? Hace tiempo que expresiones como indie, hipster, cultureta, moderno y gafapasta son de uso corriente en nuestras conversaciones. Sus límites resultan borrosos, pero remiten a una realidad social que la industria cultural y las agencias de publicidad utilizan para designar un amplio segmento del mercado. Los “hipsters” son la primera subcultura que, bajo la apariencia de rebeldía, defiende los valores impuestos por el capitalismo contemporáneo. Palabras como independencia, creatividad o innovación son la cara amable del espíritu individualista y competitivo que propone el sistema, y la presunta exquisitez de criterio de los “hipsters” ha creado un consumismo que no avergüenza, sino que genera orgullo. ¿Estamos ante la cultura favorita de la clase dominante? Cada vez quedan menos dudas. La Reina Letizia se escapa de la Zarzuela para acudir a conciertos de grupos “indie” como Eels, Los Planetas y Supersubmarina. El magnate derechista Rupert Murdoch invierte cincuenta millones de euros en Vice, grupo mediático de referencia para los “hipsters” de todo el mundo. Pero la cultura “indie”, “hipster” y “gafapasta” promociona valores incompatibles con las aspiraciones igualitarias de la contracultura y de movimientos sociales masivos como el 15M.

 

TÍTULO: EL RÍO (NOVELA GRÁFICA; LIBROS DEL ZORRO ROJO)

AUTOR: Alessandro Sanna  

SINOPSIS: “Vivo en las llanuras bajas a la vera del Po. Todos los días veo este horizonte angosto y herido por las ramas de los árboles. Veo las rapaces apostadas inmóviles sobre los postes de la luz y junto a las chimeneas calientes de las casas bordeadas por acequias; los faisanes bailan en corro y las liebres corren al fondo de la llanura aluvial. La regla de los tercios es fundamental aquí para entender cómo andan las cosas; un tercio de tierra y dos tercios de cielo, y cuando el río sube la proporción se invierte. Los ojos son la cámara oscura ideal para detener en un instante el rayo verde que tiene secuestrado al sol. Momentos y variaciones de la luz que he intentado pintar sin lápiz y sin saber si lograría encontrar el tono justo, el velo exacto que visten al cielo, los árboles, las casas en la niebla. He añadido agua a la hoja y luz a la mirada aceptando los imprevistos de las manchas y de mi memoria. Para hacer el cielo se necesita agua, para hacer la tierra se necesita agua, para hacerlo todo se necesita agua. El agua como ingrediente básico para imaginar el libro entero. La construcción de las imágenes progresó sin un orden fijo, y a cada página tuve la impresión de haber traído al mundo un imagen que ya existía. Un misterioso dejà vu que creo relacionado con mi predisposición al trabajo fluido: pinto como un ciego que no pierde el tiempo en detalles y busca la impronta vital del signo. Para pintar el río debo ser río, estar dentro de los diques que dividen la mancha abstracta de la figurativa y hacerlas coexistir. Mantengo la respiración hasta que la hoja empapada tiene consistencia y se seca. Para cada imagen el mismo procedimiento y la misma espera del milagro: que la gota se convierta en algo. He dedicado años a este viaje, cultivando un pedacito de mirada cada vez, en busca de resquicios de encanto sedimentados con el tiempo. Los viejos me hablan de la piel del río como si fuese un animal adormecido que pudiera despertar en cualquier momento y convertirse en un ser horrible: sumergir en un suspiro casas y terrenos, como en la inundación que hubo en Poleskine en el otoño del 51. El invierno aquí está hecho de alientos cálidos soplados en la niebla gélida y figuras que se disuelven, presas de la luz opaca de la tarde. En primavera llega la feria del pueblo con los tiovivos, el aroma de los tilos en flor y copos de algodón en el aire que parecen nieve. El verano es cálido, tan sólo interrumpido por temporales pasajeros que abrevan el terreno seco. Cuatro estaciones, cuatro leves historias que corren lentamente a la vera del río.” Alessandro Sanna

LOS BEATLES EN EL CINE

noviembre 14, 2014

Como siempre, intentamos recomendar libros para cinéfilos que nos aporten algo distinto a lo que podemos encontrar normalmente. Pronto se supera esa fase enciclopédica donde uno pretende reunir el máximo de material con el máximo de información sobre películas para ver, directores para seguir y géneros a los que devorar. Es una fase necesaria y muy importante (mas adelante tenéis una buena lista de libros que cumplen con ese requisito). Sin embargo, este no es el caso que nos ocupa. Los Beatles en el cine (T&B) no es exactamente un libro de temática cinematográfica. Tampoco es un libro de música y, gracias a Dios, no es ningún recopilatorio sobre material visual de los Beatles. Si tenemos que concretar la temática del libro posiblemente hablaríamos de un recorrido a través del tiempo des de la perspectiva de la mayúscula banda de Liverpool y en un trabajo de recopilación tremendo.

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Los Beatles en el cine nos habla, en efecto de todo aquello que hizo la banda o cualquiera de sus participantes en pantalla (cine, TV, cortometrajes, documentales…), pero sobretodo nos habla de la dirección de Los Beatles en su larga trayectoria. Plagado de anécdotas, de referencias, de análisis y (algo) de opinión, Ramón Alfonso narra el relato de esa relación de la banda inglesa con la pantalla. Al leerlo, uno no puede evitar viajar con ellos, empatizar con todo lo que hicieron y sonreír a todas horas. Como Arturo Pérez-Reverte en Un día de cólera, el autor nos proporciona toneladas de información pero nos mantiene dentro del relato. La historia prima sobre los datos y en eso, este libro sí que es diferente. No lo recomendamos a ningún neófito ni a ningún lector despistado. Este libro es apto para amantes de los de Liverpool y para los amantes de la iconografía del siglo XX. Un buen documento para profundizar, indagar y analizar mientras te distraes con lo que no deja de ser una historia. Una magnífica historia.

Y de “A Hard Day’s Night” (1964), “Let it Be” (1970) o”Magical Mystery Tour”(1967), siguiendo la estela del autor encontramos otra joya cuidada y profunda en Quentin Tarantino: El samurái cool. Si la has leído, la habrás disfrutado. Si no lo has hecho, ¡no dudes en hacerlo! De nuevo encontramos en ella a un autor que cuida más su contenido que el continente. Y como comentábamos, si amáis las enciclopedias y las grandes listas, aquí tenéis algunas recomendaciones:

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Del sueño americano, la afonía del Diablo y la independencia… de EEUU

noviembre 13, 2014

CINE TDS

Siempre vamos de “A” a “B”. De donde estamos a donde queremos estar. De lo que somos a lo que queremos ser. De casa al trabajo. De “auxiliares de” a “supervisores de”. Siempre, SIEMPRE, de “A” a “B”. Y esta es la premisa básica del guión de cualquier película: El viaje del protagonista. Del hacker perdido en la vida a El Elegido para salvar la humanidad en Matrix (1999). De niño con pocas luces a hombre de éxito (con pocas luces igual) en Forrest Gump (1994). De abogado sin alma a portador de la moralidad en Pactar con el Diablo (1997). O Acción Civil (1999). O La tapadera (1993). Y parece obvio, ¿no? Una película trata de contar una parte de la vida de alguien. Una parte importante. Una parte que merezca ser contada. “A” es el primer acto y “B” el tercero. En “A” Neo persigue el conejo blanco y en “B” se va volando como Superman. Es fácil, funciona y aunque no lo sepáis esta premisa es la que nos permite engancharnos a la historia.

 

¿Qué es lo que ocurre cuando no te tomas unos minutos de metraje a mostrar “A”? Pues muchas cosas, pero la principal es que no empatizamos con nuestros personajes ni lo que les ocurre. Tenía muchas ganas de ver Libranos del mal de Scott Derrickson. El rollo de las posesiones, los exorcismos y vomitonas verdes me encanta. El rollo del poli que tiene que resolver un caso en el que acaba emocionalmente involucrado también. ¿Y qué es lo que falla? Pues entre muchas otras cosas que no existe “A”. Y es una manía muy fea que ya lleva años instaurada. Es como decirnos “tengo muchas cosas que contar, no voy a perder diez minutos en explicar donde empezamos”. Pues lo que ocurre es que si no me lo cuentas, la historia de Eric Bana persiguiendo el mal me importa un pimiento. Aunque me lo pongas en casa con una mujer guapísima y una niñita adorable. Aunque yo vea que es un buen hombre. Aunque yo sepa que quiero que venza a el mal. Si no hay un esfuerzo por enseñarme “A”…  su combate con el Demonio me pilla perdido y pendiente del móvil (no sea que alguna chica me ofrezca mejor plan que ver uno de los peores thrillers escondido en tintes paranormales de los últimos tiempos).

 

No es un problema aislado, no se crean. Esa gran bazofia llamada Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal ( 2008) peca del mismo defecto. En todas las escenas vemos a Indiana contra el Mundo y en todas las escenas vemos que Indiana sale victorioso. Eso lo sé antes de ver la película ¡Por Dios! Si en El exorcista ( 1973) pierden más de una hora para contarnos que es lo que puede ocurrir… Por algo será, ¿no? Y lo mismo en el 90% de las películas de aventuras de los últimos años. Entran rápido a las explosiones, persecuciones y puñetazos pero todas se olvidan de contarme con quien voy y que es lo que tiene que conseguir. Pobre Scott Kevan (el de foto) que se esfuerza en encerrarme en un ambiente oscuro. Pobre Jason Hellmann (montaje) que consigue encontrar un ritmo para enseñarme las cosas. ¿Quien decidió poner un prólogo a modo de burdo elemento de preparación y le negó a la historia un primer acto como Dios manda?

 

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Sin embargo también ha sido una semana con sorpresa. Una grata sorpresa que me reconcilia con Keira Knightly y con el gran sueño americano. Begin Again de John Carney  me sorprendre por el poco convencional juego de estructura en los primeros 30 minutos. Aunque tiene mucha lógica. Viajamos de “A” a “B”. El film se presenta con “Keira” cantando al estilo de la gran Inside Lewyn Davis (2013) para poco a poco darnos a conocer la historia de los personajes. Prácticamente media hora (algo abusivo para un primer acto) que consigue atrapar alterando la estructura y enseñándonos poco a poco todo lo que necesitamos saber para amar a sus dos protagonistas. Tengo suerte de haber aprendido cine bajo la premisa de que uno debe disfrutar con cualquier historia mas allá de cómo este contada. Así puedo declarar que Begin Again me traslada con una bonita sonrisa a el caramelo de Tu la letra, yo la música (2007). Es mala, pero me encanta.

 

Y precisamente el sueño americano que se me presenta en Begin Again (dos grandes monstruos de la música que se encuentran en su peor momento y luchan por seguir adelante) me traslada a algunas películas estrenadas ahora hace un año (vale, el proceso participativo de Catalunya también ayuda). Hablo de ese sequito de películas que nos hablaban de los cimientos de EEUU. A saber, la casi excelente Lincoln (2013); la entretenida El mayordomo (2013); la divertidísima Django (2013) y la sobrevalorada 12 años de esclavitud (2014). Por cierto, si vamos a hablar de esclavos, por favor, que se ahorren las violaciones y asesinatos sobre campos de algodón, que ya está muy visto. No deja de ser irónico que Tarantino juegue con humor e ironía esta trama mientras la oscarizada 12 años de esclavitud lo hace con la intención real de crear empatía. Este “A” ya lo tenemos muy sobado.

X.SEGÚ

1r CICLO DE ESCRITURA CREATIVA ORGANIZADA

noviembre 3, 2014

EVENTS

¡Cualquier recurso utilizado que sirva para empezar a escribir, funciona!

¡Cualquier rutina o manía que nos sirva para ser perseverantes, funciona!

¡Cualquier argumento que nos permita pasar veinticuatro horas con una historia en la cabeza, funciona!

 

Escribir es mucho mas fácil de lo que parece. Solo tenemos que atacar la página en blanco. En las próximas dos sesiones probaremos algunas de las técnicas mas utilizadas para crear historias y desarrollarlas. Además, como siempre, continuaremos trabajando los problemas concretos que tengamos con nuestros textos. Al finalizar estas dos sesiones tendremos un relato corto acabado y si la cosa va bien, muchas ideas para seguir trabajando.

 

Nunca habréis trabajado en un ciclo tan personalizado. Lo construimos a partir de vuestras dudas y vuestros problemas con la escritura. Sea para empezar, para desarrollar o para reescribir… Este es vuestro curso. ¡Venid a probar-lo!

 

Xavi Segú

 

1r CICLO DE ESCRITURA CREATIVA ORGANIZADA

PRÓXIMA SESIÓN: VIERNES 7 DE NOVIEMBRE (18:30)

LLIBRERIA DE LA IMATGE “PROMAREX”

 

CARRER SEPULVEDA,87  –  08015/BARCELONA

Mail: promarex@arrakis.es

www.promarex.com

 

“PANTALLA RASGADA”, conversaciones con cineastas y escritores

noviembre 2, 2014

pantalla rasgada

“De la mano de creadores que aparcan por un momento el análisis consciente de su obra para convertirse en onironautas en los sueños de otros, el lector tiene por delante un viaje a las profundidades del vasto universo de los sueños en el cine”. Y bajo esta premisa Desirée de Fez y Jordi Sánchez-Navarro descubren el mundo de los sueños en el séptimo arte con la mejor de las compañías: Jaume Balagueró, J.A.Bayona, Rodrigo Cortés, Montse Ribé, Dani Martí o Nacho Vigalondo entre otros hablan de cine en este fantástico documento que encuentra en el recientemente finalizado Festival de Cine de Sitges la mejor excusa para ello.

 

Los amantes al séptimo arte somos presas fáciles para los libros, tendemos a coleccionar. Sin embargo, Pantalla Rasgada (2014, Arkadin Ediciones SL) no intenta enumerar películas, confeccionar listas o ordenar estilos. Este libro habla de sueños. Habla de sueños y cine. Y para hacerlo se nutre de la mejor información posible: Los grandes profesionales. Directores, guionistas, especialistas y críticos cinematográficos de primera línea analizan junto a los autores la historia de los sueños en el mundo del cine.  Des de “El moderno Sherlock Holmes” (1924) hasta la reciente “Origen” (2010) y ahondando en gran cantidad de géneros. Des de “El mago de Oz” (1939) hasta “Fresas salvajes” (1957) pasando por “Pesadilla en Elm Street” (1984), Pantalla Rasgada permite un análisis profundo de distintos tipos de aplicación del mundo onírico en el séptimo arte.

 

pesadilla en Elm Street

 

Como en Psicoanalisis de los cuentos de hadas, lectura obligada para todo aprendiz a escritor o guionista, el libro no se centra en las películas, como Bruno Bettheleim no lo hacía en los cuentos, sino que tener un referente les permite centrar la conversación en la dirección indicada. El libro recuerda a los grandes: El cine según Hitchcock en esa conversación apasionante con François Truffaut o a Conversaciones con Billy Wilder, asi como a las tambien interesantes: Conversaciones con Woody Allen y sobretodo a Lecciones de cine y a Mas lecciones de cine: El cine contado por sus grandes protagonistas. Es, por lo tanto, una obra imprescindible para cualquier estudioso del celuloide. Por otro lado, cualquier aficionado, espectador o freak encontrara también información curiosa de las películas sobre las que habla y un material valioso relacionado con el festival de cine de Sitges.

 

El sueño como fantasía, como punto de partida, como elemento argumental, como tesis profunda y sobre todo, el sueño como fiel acompañante de las películas de terror, como la base del cine de ciencia ficción y como fiel herramienta de directores y guionistas para conducir la historia allí donde lo deseen. Aciertos y fracasos, obras maestras y blockbusters, cine de autor y películas icónicas se juntan en las conversaciones que se nos transcriben y despiertan nuestras ganas de revisar, en especial, el género del terror y de la ciencia ficción. Es por ello que junto a esta obra, y aprovechando el venazo consumista y las fechas, también recomiendo leer o releer las siguientes obras:

 mago de oz

 

De una sentada, sin darme cuenta, devoro este libro que te transporta a esa fina línea que existe entre el espectador ocioso y la mirada más crítica. El saber no ocupa lugar, Pantalla Rasgada merece un sitio especial en nuestra biblioteca. Para los profesionales, los aprendizes, los curiosos y los amantes del cine en general.